Фота: прадастаўлена Naturhistorisches Museum

Ваша скульптура ў гісторыі мастацтва, гэтая малюсенькая статуэтка вышынёй крыху больш за чатыры цалі была знойдзена ў Аўстрыі ў 1908 годзе. Ніхто не ведае, якую функцыю яна выконвала, але здагадкі вар'іраваліся ад багіні ўрадлівасці да дапамогі мастурбацыі. Некаторыя навукоўцы мяркуюць, што гэта мог быць аўтапартрэт, зроблены жанчынай. Гэта самы вядомы з многіх падобных аб'ектаў старажытнага каменнага веку.

Фота: прадастаўлена CC/Wiki Media/Philip Pikart

Гэты партрэт з'яўляецца сімвалам жаночай прыгажосці з таго часу, як ён быў упершыню знойдзены ў 1912 годзе ў руінах Амарны, сталіцы, пабудаванай самым супярэчлівым фараонам у гісторыі Старажытнага Егіпта: Эхнатонам. Жыццё яго каралевы, Неферціці, з'яўляецца чымсьці таямнічым: лічыцца, што яна кіравала фараонам некаторы час пасля смерці Эхнатона - ці, што больш верагодна, як суправіцель караля-хлопчыка Тутанхамона. Некаторыя егіптолагі лічаць, што яна насамрэч была маці Тута. Лічыцца, што гэты бюст з ляпніны з вапняка з'яўляецца справай рук Тутмаса, прыдворнага скульптара Эхнатона.

Фота: прадастаўлена CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Тэракотавая армія, выяўленая ў 1974 годзе, уяўляе сабой велізарны сховішча гліняных статуй, пахаваных у трох вялізных ямах побач з магілай Шы Хуан, першага імператара Кітая, які памёр у 210 г. да н. Армія, прызначаная для абароны яго ў замагільным жыцці, паводле некаторых ацэнак, налічвае больш за 8000 салдат разам з 670 конямі і 130 калясніцамі. Кожны ў натуральную велічыню, хоць фактычны рост вар'іруецца ў залежнасці ад воінскага звання.

Фота: прадастаўлена CC/Wiki Media/LivioAndronico

Магчыма, самая вядомая скульптура рымскай антычнасці,Лаокоон і яго сыныбыў першапачаткова знойдзены ў Рыме ў 1506 годзе і перавезены ў Ватыкан, дзе знаходзіцца па гэты дзень. Ён заснаваны на міфе пра траянскага жраца, забітага разам са сваімі сынамі марскімі змеямі, пасланымі богам мора Пасейдонам у адплату за спробу Лаакаона выкрыць хітрасць траянскага каня. Першапачаткова ўстаноўленая ў палацы імператара Ціта, гэтая фігурная група ў натуральную велічыню, якая прыпісваецца трыо грэчаскіх скульптараў з вострава Радос, не мае сабе роўных як даследаванне чалавечых пакут.

Фота: прадастаўлена CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Адно з самых знакавых твораў ва ўсёй гісторыі мастацтва, «Давід» Мікеланджэла, бярэ свой пачатак у больш маштабным праекце па ўпрыгожванні контрфорсаў вялікага сабора Фларэнцыі, Дуомо, групай фігур, узятых са Старога Запавету. TheДэвідбыў адзін, і фактычна быў пачаты ў 1464 годзе Агасціна ды Дучыа. На працягу наступных двух гадоў Агасціна здолеў апрацаваць частку вялізнай мармуровай глыбы, высечанай са знакамітага кар'ера ў Карары, перш чым спыніцца ў 1466 г. (Ніхто не ведае, чаму.) Іншы мастак падхапіў слабіну, але ён таксама толькі папрацаваў над ім нядоўга. Мармур заставаўся некранутым на працягу наступных 25 гадоў, пакуль Мікеланджэла не аднавіў яго выразанне ў 1501 годзе. На той момант яму было 26 гадоў. Пасля завяршэння «Давід» важыў шэсць тон, а значыць, яго нельга было падняць на дах сабора. Замест гэтага яго выставілі ля ўваходу ў Палацо Век'ё, ратушу Фларэнцыі. Фігура, адна з самых чыстых дэстыляцый стылю Высокага Адраджэння, была неадкладна ўспрынята фларэнтыйскай грамадскасцю як сімвал уласнага супраціву горада-дзяржавы сілам, якія супрацьстаялі яму. У 1873 г. стДэвідбыў перанесены ў Галерэю Акадэміі, а копія была ўсталявана на ранейшым месцы.

Фота: прадастаўлена CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Джан Ларэнца Берніні, прызнаны пачынальнікам стылю высокага рымскага барока, стварыў гэты шэдэўр для капліцы ў царкве Санта-Марыя-дэла-Віторыя. Барока было непарыўна звязана з Контррэфармацыяй, з дапамогай якой каталіцкая царква спрабавала спыніць хвалю пратэстантызму, якая ахапіла Еўропу XVII ст. Такія творы мастацтва, як творы Берніні, былі часткай праграмы пацверджання папскай дагматыкі, якой добра паслужыў геній Берніні, які напаўняў рэлігійныя сцэны драматычнымі апавяданнямі.Экстазігэта паказальны прыклад: яе аб’ект — святая Тэрэза Авільская, іспанская манахіня-кармелітка і містык, якая пісала пра сваю сустрэчу з анёлам — намалявана ў момант, калі анёл збіраецца ўсадзіць стралу ў яе сэрца.ЭкстазіЭратычны адценне беспамылковы, найбольш відавочна ў выразе аргазму манашкі і звіваючыся тканіны, якая ахінае абедзве постаці. Будучы архітэктарам і мастаком, Берніні таксама распрацаваў аздабленне капліцы з мармуру, ляпніны і фарбы.

Фота: прадастаўлена Музеем мастацтваў Метраполітэн/Фондам Флетчара

Італьянскі мастак Антоніа Канова (1757–1822) лічыцца найбуйнейшым скульптарам XVIII ст. Яго працы ўвасабляюць неакласічны стыль, як вы можаце бачыць у выкананні ім у мармуры грэчаскага міфічнага героя Персея. Канова фактычна зрабіў дзве версіі твора: адна знаходзіцца ў Ватыкане ў Рыме, а другая стаіць у Еўрапейскім скульптурным судзе Музея Метраполітэн.

Фота: Метрапалітэн-музэй

У той час як майстар-імпрэсіяніст Эдгар Дэга найбольш вядомы як жывапісец, ён таксама працаваў у галіне скульптуры, ствараючы тое, што было, магчыма, самым радыкальным вынікам яго творчасці. Дэга мадМаленькая чатырнаццацігадовая танцорказ воску (з якога пасля яго смерці ў 1917 г. былі адліты наступныя бронзавыя копіі), але той факт, што Дэга апрануў сваю аднайменную фігуру ў сапраўдны балетны касцюм (у камплекце з лифом, пачкай і тэпцікамі) і парык з сапраўдных валасоў, выклікаў сенсацыю, каліТанцордэбютаваў на Шостай выставе імпрэсіяністаў 1881 г. у Парыжы. Дэга вырашыў пакрыць большасць сваіх упрыгожванняў воскам, каб яны адпавядалі астатнім рысам твару дзяўчыны, але ён захаваў пачку, а таксама стужку, завязаную на яе валасах, у такім выглядзе, што зрабіла фігуру адным з першых прыкладаў знойдзенага прадмета. арт.Танцорбыла адзінай скульптурай, якую Дэга выставіў пры жыцці; пасля яго смерці было знойдзена яшчэ каля 156 прыкладаў, якія таміліся ў яго студыі.

Фота: прадастаўлена Музеем мастацтваў Філадэльфіі

У той час як у большасці людзей вялікі французскі скульптар Агюст Радэн асацыюецца з імМысляр, гэты ансамбль у памяць аб інцыдэнце падчас Стогадовай вайны (1337–1453) паміж Вялікабрытаніяй і Францыяй больш важны для гісторыі скульптуры. Па замове для парку ў горадзе Кале (дзе гадавая аблога англічанамі ў 1346 годзе была знята, калі шэсць гарадскіх старэйшын аддалі сябе на смерць у абмен на захаванне насельніцтва),Бюргерыпазбягаў фармату, тыповага для манументаў таго часу: замест фігур, ізаляваных або згрупаваных у піраміду на высокім пастаменце, Радэн збіраў свае прадметы ў натуральную велічыню непасрэдна на зямлі, на адным узроўні з гледачом. Гэты радыкальны рух да рэалізму разарваў гераічнае стаўленне да такіх вонкавых работ. зБюргеры, Радэн зрабіў адзін з першых крокаў да сучаснай скульптуры.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/Wally Gobetz

У 1912 годзе Пікаса стварыў кардонны макет твора, які аказаў бы надзвычайны ўплыў на мастацтва 20-га стагоддзя. Таксама ў калекцыі MoMA была намалявана гітара, прадмет, які Пікаса часта даследаваў у жывапісе і калажы, і ў многіх адносінах,Гітараперанёс тэхніку выразання і ўстаўкі калажа з двух вымярэнняў у трохмернае. Ён зрабіў тое ж самае для кубізму, а таксама, збіраючы плоскія формы, каб стварыць шматгранную форму з глыбінёй і аб'ёмам. Інавацыя Пікаса заключалася ў тым, каб адмовіцца ад звычайнай разьбы і мадэлявання скульптуры з суцэльнай масы. Замест гэтагаГітарабыў змацаваны разам, як канструкцыя. Гэтая ідэя будзе адбівацца ад рускага канструктывізму да мінімалізму і далей. Праз два гады пасля стварэнняГітарау кардоне, Пікаса стварыў гэтую версію ў нарэзанай бляхі

Фота: Метрапалітэн-музэй

Ад свайго радыкальнага пачатку да канчатковага фашысцкага ўвасаблення італьянскі футурызм шакаваў свет, але ні адна праца не стала прыкладам чыстага трызнення гэтага руху, чым гэтая скульптура аднаго з яго вядучых: Умберта Бочыоні. Пачынаючы як жывапісец, Бочыоні звярнуўся да працы ў трох вымярэннях пасля паездкі ў Парыж у 1913 годзе, падчас якой ён наведаў майстэрні некалькіх авангардных скульптараў таго перыяду, такіх як Канстанцін Бранкузі, Раймон Дзюшан-Війён і Аляксандр Архіпенка. Бочыоні сінтэзаваў іх ідэі ў гэты дынамічны шэдэўр, які адлюстроўвае фігуру, якая крочыць у «сінтэтычнай бесперапыннасці» руху, як гэта апісаў Бочыоні. Твор першапачаткова быў створаны ў гіпсе і не быў адліты ў сваёй знаёмай бронзавай версіі да 1931 года, значна пасля смерці мастака ў 1916 годзе ў складзе італьянскага артылерыйскага палка падчас Першай сусветнай вайны.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Бранкузі, які нарадзіўся ў Румыніі, быў адным з найважнейшых скульптараў мадэрнізму пачатку 20-га стагоддзя — і сапраўды, адной з найважнейшых фігур ва ўсёй гісторыі скульптуры. Свайго роду протамінімаліст, Бранкузі браў формы з прыроды і ўпарадкоўваў іх у абстрактныя ўяўленні. На яго стыль паўплывала народнае мастацтва яго радзімы, у якім часта сустракаліся яркія геаметрычныя ўзоры і стылізаваныя матывы. Ён таксама не рабіў адрозненняў паміж аб'ектам і асновай, разглядаючы іх, у некаторых выпадках, як узаемазаменныя кампаненты - падыход, які ўяўляў сабой вырашальны разрыў са скульптурнымі традыцыямі. Гэты культавы твор — партрэт яго мадэлі і каханай, Маргіт Погань, венгерскай студэнткі мастацтваў, якую ён сустрэў у Парыжы ў 1910 году. Першая ітэрацыя была высечана з мармуру, а затым гіпсавая копія, з якой была зроблена гэтая бронза. Сам гіпс быў выстаўлены ў Нью-Ёрку на легендарнай Armory Show 1913 года, дзе крытыкі высмеялі і паставілі яго на слуп. Але гэта таксама быў самы шматразовы твор у шоу. Бранкузи працаваў над рознымі версіяміМле Поганьна працягу нейкіх 20 гадоў.

Фота: прадастаўлена Музеем сучаснага выяўленчага мастацтва

Веласіпеднае колалічыцца першым з рэвалюцыйных рэдымэйдаў Дзюшана. Аднак, калі ён скончыў твор у сваёй парыжскай студыі, ён сапраўды не ўяўляў, як яго назваць. «Мне прыйшла ў галаву радасная ідэя прымацаваць кола ровара да кухоннага зэдліка і назіраць, як яно круціцца», — скажа пазней Дзюшан. Дзюшану спатрэбілася паездка ў Нью-Ёрк у 1915 годзе і знаёмства з вялізнай вытворчасцю тавараў фабрычнай вытворчасці ў горадзе, каб прыдумаць тэрмін «readymade». Што яшчэ больш важна, ён пачаў бачыць, што стварэнне мастацтва ў традыцыйнай, ручной манеры здавалася бессэнсоўным у індустрыяльную эпоху. Навошта турбавацца, паставіў ён, калі шырока даступныя прамысловыя тавары могуць зрабіць гэтую працу. Для Дзюшана ідэя твора была больш важнай, чым тое, як яно было зроблена. Гэта паняцце - магчыма, першы рэальны прыклад канцэптуальнага мастацтва - цалкам зменіць гісторыю мастацтва ў будучыні. Вельмі нагадвае звычайны хатні прадмет, але арыгіналВеласіпеднае колане захаваўся: гэтая версія насамрэч з'яўляецца копіяй 1951 года.

Фота: Музей амерыканскага мастацтва Уітні, © 2019 Фонд Калдэра, Нью-Ёрк/Таварыства правоў мастакоў (ARS), Нью-Ёрк

Любімы прадмет пастаяннай калекцыі музея Уітні,Цырк Колдэрараскрывае гуллівую сутнасць Аляксандра Колдэра (1898–1976) як мастака, які дапамог сфарміраваць скульптуру 20-га стагоддзя.Цырк, які быў створаны падчас знаходжання мастака ў Парыжы, быў менш абстрактным, чым яго падвесныя «мабілі», але па-свойму ён быў такім жа кінетычным: зроблены пераважна з дроту і дрэва,Цыркслужыў цэнтральным элементам для імправізацыйных выступленняў, у якіх Колдэр перасоўваўся вакол розных фігур, якія адлюстроўвалі тых, хто глытаў мячы, утаймавальнікаў львоў і г.д., нібы боскі кіраўнік.

Фота: прадастаўлена Музеем Дж. Пола Геці

Як мастака і дызайнера габеленаў, а таксама скульптара, французскага мастака Арыстыда Майоля (1861–1944) лепш за ўсё можна ахарактарызаваць як сучаснага неакласіцыста, які ўвайшоў у абцякальны выгляд 20-га стагоддзя з традыцыйнымі грэка-рымскімі скульптурамі. Яго таксама можна ахарактарызаваць як радыкальнага кансерватара, хаця варта памятаць, што нават такія авангардысты, як Пікаса, стваралі творы ў адаптацыі неакласічнага стылю пасля Першай сусветнай вайны. Тэмай Майоля была аголеная жанчына, а ўL'Air, ён стварыў кантраст паміж матэрыяльнай масай свайго суб'екта і тым, як яна, здаецца, лунае ў прасторы - як бы ўраўнаважваючы цвёрдую цялеснасць і мімалётную прысутнасць.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/C-Monster

Японская мастачка, якая працуе ў розных відах, Кусама прыехала ў Нью-Ёрк у 1957 г., вярнуўшыся ў Японію ў 1972 г. Тым часам яна зарэкамендавала сябе як галоўная фігура гарадской сцэны, мастацтва якой закранала мноства асноў, у тым ліку поп-арт, мінімалізм і перформанс мастацтва. Як жанчына-мастачка, якая часта звярталася да жаночай сэксуальнасці, яна таксама была папярэдніцай фемінісцкага мастацтва. Працы Кусамы часта характарызуюцца галюцынагеннымі патэрнамі і паўтарэннямі формаў, схільнасцю, якая караніцца ў пэўных псіхалагічных станах — галюцынацыях, ОКР, — якімі яна пакутавала з дзяцінства. Усе гэтыя аспекты мастацтва і жыцця Кусумы адлюстраваны ў гэтай працы, у якой звычайнае мяккае крэсла раздражняльна пакрыта падобнымі на чуму ўспышкамі фалічных выступаў з пашытай набіванай тканіны.

Фота: Музей амерыканскага мастацтва Уітні, Нью-Ёрк, © 2019 Estate of Marisol/ Мастацкая галерэя Олбрайт-Нокс/Таварыства правоў мастакоў (ARS), Нью-Ёрк

Вядомая проста па імені, Марысоль Эскабар (1930–2016) нарадзілася ў Парыжы ў сям'і венесуэльцаў. Як мастачка яна асацыявалася з поп-артам, а потым і з оп-артам, хаця стылістычна яна не належала ні да адной з груп. Замест гэтага яна стварала вобразныя карціны, якія былі задуманы як фемінісцкая сатыра гендэрных роляў, знакамітасцяў і багацця. УЖанчыны і сабакаяна бярэ на сябе аб'ектывацыю жанчын і тое, як навязаныя мужчынамі стандарты жаноцкасці выкарыстоўваюцца, каб прымусіць іх адпавядаць.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/Rocor

Скрыня Brillo, бадай, самая вядомая з серыі скульптурных работ Уорхала, створаных у сярэдзіне 60-х гадоў, якія эфектыўна разглядаюць яго даследаванне поп-культуры ў трох вымярэннях. У адпаведнасці з назвай, якую Уорхал даў сваёй майстэрні — Фабрыка — мастак наняў цесляроў для працы на своеасаблівай зборачнай лініі, збіваючы драўляныя скрынкі ў форме кардонаў для розных прадуктаў, у тым ліку кетчупа Хайнца, кукурузных шматкоў Kellogg's і супу Campbell's. добра мыльныя дыскі Brillo. Затым ён пафарбаваў кожную скрынку ў колер, які адпавядае арыгіналу (белы ў выпадку Brillo), перш чым дадаць назву прадукту і лагатып на шаўкаграфіі. Створаныя некалькімі скрынямі, яны часта дэманстраваліся вялікімі стосамі, фактычна ператвараючы любую галерэю, у якой яны знаходзіліся, у факсіміле высокакультурнага склада. Іх форма і серыйная вытворчасць былі, мабыць, рэверансам або пародыяй на мінімалісцкі стыль, які зараджаўся ў той час. Але сапраўдная сутнасцьСкрынка Brilloгэта тое, як яго блізкае набліжэнне да рэальнага падрывае мастацкія канвенцыі, даючы зразумець, што няма ніякай рэальнай розніцы паміж прамысловымі таварамі і працай майстэрні мастака.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/Esther Westerveld

Імя Дональда Джада з'яўляецца сінонімам Minimal Art, руху сярэдзіны 60-х гадоў, які перавёў рацыяналістычны напрамак мадэрнізму ў асноўныя рэчы. Для Джада скульптура азначала артыкуляцыю канкрэтнай прысутнасці твора ў прасторы. Гэтую ідэю апісвалі тэрмінам «канкрэтны аб'ект», і ў той час як іншыя мінімалісты прынялі яе, Джад, магчыма, даў гэтай ідэі яе найбольш чыстае выражэнне, прыняўшы скрынку ў якасці сваёй фірмовай формы. Як і Уорхал, ён ствараў іх як паўтаральныя адзінкі, выкарыстоўваючы матэрыялы і метады, запазычаныя з прамысловага вырабу. У адрозненне ад слоікаў супу Уорхала і Мэрылін, мастацтва Джада не спасылалася ні на што па-за сабой. Яго «стопы» з'яўляюцца аднымі з самых вядомых твораў. Кожны з іх складаецца з групы аднолькава неглыбокіх скрынак з ацынкаванага металічнага ліста, якія выступаюць са сцяны, ствараючы калону з раўнамерна размешчаных элементаў. Але Джад, які пачынаў як мастак, цікавіўся колерам і тэкстурай гэтак жа, як і формай, што бачна тут па зялёным лаку для кузава аўтамабіляў, нанесеным на пярэднюю частку кожнай скрынкі. Узаемадзеянне колеру і матэрыялу Джада даеБез назвы (Стэк)пераборлівая элегантнасць, якая змякчае яго абстрактны абсалютызм.

Фота: прадастаўлена CC/Flickr/Rocor

Як і Бенгліс, Гесэ была жанчынай-мастаком, якая прагледзела постмінімалізм праз, магчыма, фемінісцкую прызму. Яўрэйка, якая ў дзяцінстве ўцякла з нацысцкай Германіі, даследавала арганічныя формы, ствараючы вырабы з прамысловага шкловалакна, латекса і вяроўкі, якія выклікалі скуру ці плоць, ​​палавыя органы і іншыя часткі цела. Улічваючы яе паходжанне, у такіх творах, як гэты, вельмі хочацца знайсці скрытую плынь траўмы ці трывогі.

Фота: прадастаўлена Музеем сучаснага выяўленчага мастацтва

Услед за Джадам і Флавінам група мастакоў адышла ад эстэтыкі мінімалізму чыстых ліній. Як частка гэтага постмінімалісцкага пакалення, Рычард Сера змясціў канцэпцыю канкрэтнага аб'екта на стэроіды, значна павялічыўшы яго маштаб і вагу і зрабіўшы законы гравітацыі неад'емнай часткай гэтай ідэі. Ён стварыў хісткія балансіры са сталёвых або свінцовых пласцін і труб вагой у тонах, што надавала твору адчуванне пагрозы. (У двух выпадках мантажнікі, якія ўсталёўвалі элементы Serra, былі забітыя або пакалечаныя, калі праца выпадкова абрынулася.) У апошнія дзесяцігоддзі ў працах Serra былі пераняты крывалінейныя ўдасканаленні, якія зрабілі іх надзвычай папулярнымі, але напачатку такія працы, як One Ton Prop (House of Cards), які мае чатыры свінцовыя пласціны, схіленыя адна да адной, перадаў сваю заклапочанасць з брутальнай непасрэднасцю.

Фота: прадастаўлена CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Услед за агульнай контркультурнай тэндэнцыяй 1960-х і 1970-х гадоў мастакі пачалі паўставаць супраць камерцыялізму галерэйнага свету, развіваючы радыкальна новыя формы мастацтва, такія як земляныя работы. Вядучай асобай у гэтым жанры, таксама вядомым як лэнд-арт, быў Роберт Смітсан (1938–1973), які разам з такімі мастакамі, як Майкл Хейзер, Уолтар Дэ Марыя і Джэймс Туррэл, адправіўся ў пустыні на захадзе ЗША, каб стварыць манументальныя творы, якія дзейнічалі разам з асяроддзем. У гэтым падыходзе да канкрэтных месцаў, як яго сталі называць, часта выкарыстоўваліся матэрыялы, узятыя непасрэдна з ландшафту. Такі выпадак са СмітсанамСпіральная прыстань, які ўпадае ў Вялікае Салёнае возера штата Юта ад Розэл-Пойнт на паўночна-ўсходнім беразе возера. Зроблена з бруду, крышталяў солі і базальту, здабытага на месцы,Спіральныя меры Jetty1500 на 15 футаў. Ён быў пагружаны пад ваду возера на працягу многіх дзесяцігоддзяў, пакуль засуха ў пачатку 2000-х гадоў не вывела яго на паверхню. У 2017 г.Спіральная прыстаньбыў названы афіцыйным творам мастацтва штата Юта.

Фота: прадастаўлена CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Фірмовая праца мастака французскага паходжання,Павукбыў створаны ў сярэдзіне 1990-х гадоў, калі Буржуа (1911-2010) было ўжо за восемдзесят. Ён існуе ў шматлікіх версіях рознага маштабу, у тым ліку манументальных.Павукзадумваецца як даніна павагі маці мастака, рэстаўратарцы габеленаў (адсюль і намёк на схільнасць павукападобных да прасці павуціння).

Shutterstock

Лаўрэат прэстыжнай прэміі Тэрнера ў 1994 годзе, Энтані Гормлі з'яўляецца адным з самых знакамітых сучасных скульптараў у Вялікабрытаніі, але ён таксама вядомы ва ўсім свеце сваім унікальным поглядам на фігуратыўнае мастацтва, якое грунтуецца на шырокіх варыяцыях у маштабах і стылях, па большай частцы, па тым жа шаблоне: злепак уласнага цела мастака. Гэта дакладна і для гэтага велізарнага крылатага помніка, размешчанага каля горада Гейтсхед на паўночным усходзе Англіі. Размешчаны ўздоўж галоўнай шашы,Анёлпадымаецца да 66 футаў у вышыню і ахоплівае 177 футаў у шырыню ад кончыка крыла да кончыка крыла. Па словах Гормлі, праца задумана як своеасаблівы сімвалічны маркер паміж індустрыяльным мінулым Брытаніі (скульптура знаходзіцца ў вугальнай краіне Англіі, цэнтры прамысловай рэвалюцыі) і яе постіндустрыяльнай будучыняй.

Прадастаўлена CC/Flickr/Richard Howe

Жыхары Чыкага ласкава называюць "Боб" за яго сагнутую эліпсоідную форму,Воблачныя вароты, цэнтр грамадскага мастацтва Аніша Капура для Другога гарадскога парку тысячагоддзя, адначасова з'яўляецца творам мастацтва і архітэктурай, забяспечваючы арку, гатовую для Instagram, для нядзельных калясак і іншых наведвальнікаў парку. Выраблены з люстраной сталі,Воблачныя варотыАдбівальная здольнасць і маштабнасць вясёлага дома робяць яго самым вядомым творам Капура.

Прадастаўлена мастаком і Грын Нафталі, Нью-Ёрк

Праца Рэйчэл Харысан спалучае ў сабе дасканалы фармалізм з уменнем надаваць, здавалася б, абстрактным элементам мноства значэнняў, у тым ліку палітычнае. Яна жорстка сумняваецца ў манументальнасці і звязанай з ёй мужчынскай прэрагатыве. Харысан стварае асноўную масу сваіх скульптур, складваючы і арганізуючы блокі або пліты з пенаполістыролу, перш чым пакрыць іх спалучэннем цэменту і жывапісных упрыгожванняў. Вішня на вяршыні - гэта нейкі знойдзены прадмет, асобна або ў спалучэнні з іншымі. Яскравым прыкладам з'яўляецца гэты манекен на вяршыні выцягнутай, запырсканай фарбай формы. Апрануты ў накідку і маску Абрагама Лінкальна, звернутую назад, твор пасылае тэорыю гісторыі вялікага чалавека з нагадваннем заваёўніка Старажытнага свету, які стаіць на камені колеру блазна.